패션 디자이너의 전시회라니 조금 생소하게 들릴 수 있겠다. 보통 디자이너들은 컬렉션을 통해 자신의 레이블을 소개하지, 굳이 전시회를 열진 않으니까. 하지만 ‘소재의 건축가’라 불리는 이세이 미야케는 패션 디자이너를 넘어예술가로 간주될 만큼 일본뿐 아니라 전 세계적으로 영향력을 발휘하는 인물이다. 그는 19세기 이후 유럽에 불어닥친 자포니즘 열풍을 21세기인 현재까지 이어지도록 한 주역 중 하나이며, 미국의 예술 평론가 레오나드 코렌(Leonard Koren)은 전위적인 일본 패션 디자이너 중 이세이 미야케가 일본과 서구적 패션 문법을 가장 잘 결합한 디자이너라고 소개한 바 있다. 그는 의복뿐 아니라 건축에도 영향을 미쳤다. 2007년에는 건축가 안도 다다오와 함께 21_21 디자인 사이트 미술관을 짓는 등 다양한 디자인 분야에서 활발하게 활동하는 아티스트이기도 하다. 이쯤 되면 왜 그가 전시회를, 그것도 일본 최대 규모의 도쿄 국립 아트 센터에서 열었는지 이해가 될 것이다. 이세이 미야케는 지난 40여 년간 ‘인간’이라는 요소를 중심에 두고 다양한 실험을 거듭하며 작품 세계를 구축해왔다. 그 때문에 그의 작품은 ‘입체적인 신체를 평면적인 천으로 어떻게 감쌀 것인가’에 대한 물음에서 시작된다. 그는 ‘1장의 천(a piece of cloth)’이라는 비유적 개념을 통해 그 해답을 찾았다. 실제 그의 디자인 기법 중 가장 독특한 점은 의상과 신체 사이에 일정한 공간이 존재한다는 것이다. “저는 옷을 절반만 만들어요. 사람들이 제 옷을 입고 움직일 때야 비로소 완성되죠”라는 그의 말처럼, 이세이 미야케의 옷은 입는 사람에 따라 고유한 실루엣을 만들어낸다. 이번 전시가 특별한 이유는 바로 그 때문이다. 이세이 미야케만의 의상 디자인과 제작에 관련한 고유의 아이디어, 접근법을 한눈에 들여다볼 수 있는 기회이기 때문. 전시장은 크게 세 공간으로 나뉘었는데, 전시실 A와 B는 디자이너 요시오카 도쿠진이, 전시실 C는 그래픽 디자이너 사토 다쿠가 맡았으며, 전체적으로는 기타무라 미도리가 진두지휘했다. 먼저, 전시실 A는 ‘문신’을 모티브로 삼아 말 그대로 제2의 피부를 입은 것처럼 보이는, 1장의 천으로 만든 점프 수트와 정사각형 천 3장을 바이어스로 고정한 초대형 손수건 드레스를 선보였다. 또 몸 전체를 사선으로 비스듬히 감싸는 코쿤 코트나 천 한 폭 전체를 그대로 잘라 만든 리넨 점프 수트 등 ‘1장의 천, 그것이 감싸는 몸’이란 브랜드의 기본 콘셉트를 담은 이세이 미야케의 초기 디자인을 소개한다. 전시실 B로 발걸음을 옮기면, 이세이 미야케의 1980년대로 시간이 바뀐다. 여기에서는 실리콘 주입 기법을 사용한 퓰론(pewlon) 소재와 라탄 소재, 섬유 강화 플라스틱과 합성수지를 주입한 신소재를 이용해 만든 옷들을 볼 수 있는데, 이러한 소재의 변화에 맞춰 전시실옷을 입혀 놓은 마네킹도 달라진다. 이번 전시실 A·B의 기획을 맡은 요시오카 도쿠진은 “사실 마네킹이 아닌 ‘그리드 보디’라고 불러야 더 정확한 명칭입니다. 전시실 A에서 소개한 골판지 소재의 마네킹은 시작을 의미한다는 뜻으로 종이로 만들었고, 전시실 B에 있는 마네킹은 주제에 맞게 투명한 수지로 만들었어요.” 그가 이렇게 마네킹 디자인에 공을 들인 이유는 이세이 미야케가 옷을 만들 때 사람의 몸 위주로 디자인해왔기 때문이다. 마지막으로 전시실 C에는 재단이나 봉제 과정 없이 원통형 옷감 1장으로 옷을 만드는 ‘에이폭(a-poc)’ 기법과 우리나라 말로 ‘종이접기’를 뜻하는 오리가미 디테일의 ‘132.5 이세이 미야케’, 그리고 청바지나 티셔츠처럼 보편적인 옷을 만들기 위해 고안한 기법인 ‘가먼트 플리팅’ 기법까지, 이세이 미야케의 혁신성이 담긴 주요 테마가 주제에 따라 분류되어 있다. 특히 가장 잘 알려진 주름 잡힌 원단을 완성하는 ‘가먼트 플리팅’ 공정을 브랜드 역사상 처음으로 공개해 눈길을 끌었다. ‘1장의 천’이라는 콘셉트에서 시작된 기능적 탐구와 과학적 접근에 관한 이세이 미야케의 업적을 소개한 이번 전시는 패션 전시 역사에 한 획을 그을 만한 전시가 될 것이라 예상된다.